Ações da WMG fecharam em 7,46 dólares na quinta-feira (os mercados estavam fechados para Sexta-Feira Santa). Isso se compara com uma valorização de 24,46 dólares na semana encerrada em 24 de abril de 2006, uma queda de 71,81 por cento sobre na extensão de cinco anos. Em uma base financeira, um recente mergulho profundo pela Digital Music News revelou perdas agregadas de topping $ 10000000000 longo dos últimos dez anos.

Ações da WMG têm rotineiramente mergulhado abaixo de $ 5 no ano passado, e as ações bateram lá embaixo com o valor de US $ 1,68 em 2 de março, 2009. A empresa está atualmente com a aquisição consolidada de entretenimento e oferece mais de US $ 3 bilhões.

(Gráfico completo disponível aqui )

Fonte original aqui.

Artigo publicado por Rodrigo Guimarães Nunes na Carta Maior:

Deve-se pensar a política de cultura segundo um modelo ultrapassado que funcionava para poucos, ou um novo modelo que cria possibilidades para muitos? Deve-se pensar a partir dos “grandes” consagrados pelas antigas regras do jogo, ou dos “pequenos” e “médios” que jamais “chegarão lá” nos mesmos termos? Da perspectiva de reforçar um sistema que necessariamente cria exclusão e escassez, ou da expansão do número de produtores de cultura que conseguem viver de seu trabalho? A partir da base ou da ponta? O que incomoda é que o novo MinC, que deveria estar puxando esses debates, ou não os compreende, ou cria, sobre eles, uma confusão deliberada.

Cientes da amplitude do apoio às políticas da gestão anterior, os novos ocupantes do MinC têm se apressado em negar qualquer ruptura entre as gestões. Segundo a ministra Ana de Hollanda, “um governo de continuidade pode ter outros focos, o que não significa anular ou inverter o que foi feito.” O que é curioso – e preocupante – nessa tentativa de apresentar os novos rumos como continuação dos antigos é que, sempre que se fala destes, parece ser ou para criticá-los de forma velada, ou para elogiá-los por ser aquilo que não eram. Em outras palavras, talvez na ausência de uma nova agenda ou no temor de publicamente assumi-la, busca-se afirmar uma continuidade com algo que se demonstra desconhecer ou desaprovar.

É uma negação que, pelo jeito de negar, parece confirmar o que nega: “a dama protesta demais”, como disse a mãe de Hamlet, vendo-se representar numa peça de teatro. Justamente por isso convém, à maneira dos psicanalistas, escutar este discurso, para ouvir, naquilo que diz, o que deixa de dizer: o modo como organiza sua luz e suas sombras, como distribui o visível e o invisível.

Até aqui, a maior celeuma envolvendo a nova gestão é a do passo atrás na reforma do direito autoral. Não tanto (ou apenas) pela controvérsia própria ao tema, mas principalmente pela forma como nela se operou. Primeiro, retirando um anteprojeto de lei resultante de um debate de cinco anos, aberto a todos os interessados, com o pitoresco argumento de que este seria, ao mesmo tempo, amplamente desconhecido e rejeitado. Em seguida, substituindo a pessoa que acompanhou todo o processo pela Diretoria de Direitos Intelectuais (DDI) por alguém com vínculos históricos com os maiores interessados em deixar a área como está: o Escritório Central de Arrecadação e Distribuição (ECAD). (Se você quisesse conhecer melhor o trabalho que estava sendo feito antes de você chegar, retiraria do cargo quem melhor o conhecia?) A situação já foi comparada a botar um ruralista para cuidar da reforma agrária, mas se assemelha mais ao “tapetão” de nossos cartolas futebolísticos: onde o time que perdeu “em campo” (no debate de cinco anos) consegue, pela força de seu lobby, não somente marcar um novo jogo, mas indicar o juiz.

Mas não é preciso pôr em dúvida a sinceridade das declarações feitas até aqui para ver problemas sérios. A insistência em alegar ignorância sobre o anteprojeto como razão para retomar a discussão faz suspeitar que os novos responsáveis pela área simplesmente não estavam prestando atenção no que nela ocorreu nos últimos anos – o que necessariamente põe em questão seu preparo para assumi-la. E quando se ouve atenta para o visível e o invisível no discurso, a suspeita só faz se confirmar.

Por exemplo, na declaração da nova titular da DDI de que é preciso “achar um denominador comum” entre os “projetos fantásticos” do “pessoal da mídia livre, para aumentar o acesso à cultura, (…) e os autores”. Ou quando Antonio Grassi, presidente da Funarte, diz que “houve um momento em que se fomentou a importância de fazer inclusão social por meio da arte, e a excelência artística ficou em segundo plano”. Implícita, aqui, está uma distinção entre dois estratos e duas formas diferentes de atuação na área cultural. De um lado, temos os “autores”, indivíduos capazes de uma elaboração artística apurada (“excelência”), que necessita ser tornada mais acessível para o restante da população sem, contudo, pôr em risco sua capacidade de viver daquilo que fazem. Esses são os verdadeiros “produtores” de cultura. De outro lado, temos os difusores, que são mais exatamente prestadores de serviço: prestam o “fantástico” serviço de aumentar o acesso e fomentar a inclusão social por meio da cultura, mas não são realmente “produtores”.

O que há de errado com essa visão? Em primeiro lugar, ela demonstra a não-assimilação da verdadeira inovação da política cultural nos últimos oito anos: a de partir do princípio de que as condições tecnológicas presentes permitem uma democratização antes inimaginável dos meios de produção e circulação de artefatos culturais. Em outras palavras, a política das gestões anteriores do MinC nunca foi meramente de “democratização do acesso” ou de “inclusão social”, porque não visava oferecer as condições para a criação somente de consumidores, mas, principalmente, de produtores de cultura.

O desentendimento parece vir, em segundo lugar, de uma diferença de fundo na maneira de conceber a cultura. Porque, se o antigo MinC chegou a esse tipo de formulação, foi por ter partido do princípio que todos são, sempre, produtores de cultura, sem distinção hierárquica entre a vasta planície e aquele pequeno Parnaso habitado por uns poucos “autores” que, por seu dom de “excelência”, merecem o reconhecimento de todos.

Podemos explicar a diferença com uma metáfora: pode-se pensar a cultura ou como vazio, ou como plenitude. No primeiro caso, temos uma tabula rasa onde a cada tanto um “autor” vem depositar sua criação; essa se difunde, se imita, se dilui, se mistura a outras linhagens, até que um novo “autor” arranque “de seu íntimo” uma nova criação. No segundo caso, há produção e circulação constante, vinda de todos os lados; a “criação” nada mais é que uma recombinação inovadora de diferentes elementos já existentes, um efeito secundário da circulação de ideias, afecções e influências; e o grande “autor” é simplesmente aquele que faz, de uma ampla gama de influências e elementos, uma síntese mais relevante e cheia de significados. (Isso implica, com frequência, que também seja alguém com acesso a uma gama maior, o que é, claro, em parte socialmente determinado. Chico possivelmente ainda seria Chico se não fosse Buarque de Hollanda, mas dificilmente conseguiria ser Chico se fosse o mais reles Silva.)

As diferenças entre as implicações de cada posição podem ser vistas na prática. Reduzir a produção de cultura ao trabalho de um pequeno número de “autores” nos dá uma imagem falseada daquilo que é a cadeia de produção da cultura hoje, bem como quem são seus atores econômicos. A realidade dos pouquíssimos produtores de cultura que conseguem viver de direito autoral é tomada como padrão, e a verdadeira condição da grande maioria dos que trabalham e tentam ganhar a vida com a produção cultural é inteiramente apagada. Um cenário complexo, onde há “pequenos”, “médios” e “grandes” – e onde os grandes são a exceção – é achatado em favor de uma oposição simples entre o Parnaso dos “autores” e a planície dos “usuários”. Para seguir no campo das metáforas futebolísticas, é como pensar o mercado esportivo brasileiro a partir de Ronaldinho, e não da massa de jogadores espalhados em milhares de times pequenos Brasil afora.

Por extensão, também a imagem que se oferece do debate sobre direito autoral será invertida e mistificada. Segundo a ministra, “comentava-se muito no meio cultural que as mudanças estavam deixando o autor em uma situação frágil em vários aspectos”. Já para a nova diretora da DDI, “todo mundo quer ter acesso aos bens culturais (…), mas há pessoas que vivem e dependem desses direitos. Quem produz precisa ser remunerado.” Assim, uma questão que toca a todos que produzem e consomem cultura é transformada numa simples oposição entre “meio cultural” (os “autores”, que vivem de direito autoral) e consumidores (que querem tudo de graça).

A vantagem prática da concepção de cultura do antigo MinC fica clara: partindo dos princípios de que todos são produtores de cultura e de que as transformações tecnológicas são irreversíveis e precisam ter seu potencial produtivo explorado, é possível pensar a produção de cultura como ela realmente é – hoje, nas condições da produção pós-industrial – ao invés de como ela é para os poucos que “chegaram lá” (e conseguiram “ficar lá”) no antigo sistema industrial. Pensar o iceberg a partir não da ponta, mas da base; e eleger a base, não a ponta, como o foco da política pública.

A diferença entre as duas concepções de cultura que se confrontam ao redor do direito autoral não está, como sugere a nuvem de fumaça com que se tenta obscurecer a discussão, no fato de que a chamada “cultura livre” significaria “tudo de graça para todo mundo agora”. “Livre” como em “liberdade de expressão”, não como em “cerveja liberada” (“free” as in “free speech”, not as in “free beer”), como diz o velho lema do movimento de software livre, cujos membros costumam, justamente, ganhar a vida como produtores de software. Fazer-se de desentendido, argumentando que “quem vive de cultura têm direito a uma remuneração”, é mais que dizer o óbvio; é criar um falso debate, protestando contra algo que o anteprojeto não somente jamais propôs, como buscava maneiras de fazer – dentro da nova realidade.

O novo MinC sistematicamente esconde que a lei que se quer reformar é uma das mais restritivas do mundo. Também somem do debate, em passe de mágica igualmente sistemático, as pessoas que vivem de cultura e são a favor da reforma do direito autoral. Não a “arraia-miúda” que é invisível na concepção de cultura da atual gestão, mas gente que deveria contar mesmo na definição rarefeita de “meio cultural”: Ivan Lins, Jair Rodrigues, Ná Ozetti, Francis Hime, Fernanda Abreu e Roberto Frejat, por exemplo. Estes, reunidos no Manifesto da Terceira Via e no Grupo de Ação Parlamentar (GAP), explicitamente defendem “uma política que, sem criminalizar o usuário,
garanta a remuneração dos criadores e seus parceiros de negócios” e o “projeto de reforma da lei 9.610/98, conforme encaminhado em dezembro do ano passado à Casa Civil”. A estes, hoje fora do esquema da grande indústria cultural, somam-se fenômenos pós-industriais como as bandas Teatro Mágico e Móveis Coloniais de Acaju, que, através da internet, conquistaram um público fiel em todo o país sem passar por grandes gravadoras, pagar jabá ou tocar na televisão.

Por aí se vê que não apenas é possível viver de fazer cultura nas novas condições de produção, como que muitos dos que o fazem vêem nelas um potencial emancipador. Por quê? Porque elas representam a possibilidade de realizar aquilo que sempre foi, em potência, a natureza do bem cultural.

Este é, por definição, imaterial e não-escasso: se eu comparto uma ideia, eu não deixo de tê-la. O que a digitalização e a internet permitem é sua difusão em tempo e custo praticamente zero, eliminando a necessidade de materializar-se num objeto material escasso: livros, CDs, DVDs são coisas que, até recentemente, não podiam ser compartilhadas sem perda.

Quem é atingido nessa mudança, então, não é o “criador”, mas os “atravessadores” da indústria cultural. Enquanto o artefato cultural precisava se materializar num bem físico, o produtor de cultura dependia de uma indústria para fazer a intermediação com o público. Essa relação de dependência fazia com que nem autor, nem consumidor saíssem ganhando: a parte do leão ia para o atravessador, que financiava a produção (então muito mais cara), assegurava a divulgação (frequentemente por meio do jabá e da matéria paga) e a distribuição do bem escasso.

Artistas estabelecidos conseguem ganhar mesmo assim: quando o lucro é grande, mesmo uma divisão desigual pode ser vantajosa. Além disso, os produtos comerciais destes artistas costumam ser os mais aquinhoados pelo sistema de financiamento (público) da Lei Rouanet – cuja ironia sem graça é que se investe muito na produção comercialmente viável, e pouquíssimo na que corre riscos. Em outras palavras, se dá dinheiro para aquilo que já ganha dinheiro, e não para aquilo que, justamente, mais precisaria de investimento público. Com isso, o dinheiro do contribuinte financia, não necessariamente a “excelência”, mas certamente o lucro das grandes empresas atravessadoras.

As novas condições tecnológicas barateiam a produção e dão ao produtor a possibilidade de, na posse completa de seu próprio trabalho, chegar diretamente ao público. Isso pôs os atravessadores em crise, e é cada vez menos provável que alguém, hoje, “chegue lá” pelo velho sistema industrial. Quem quiser fazê-lo terá que negociar com departamentos de marketing cada vez menos afeitos aos riscos da “excelência”, e cada vez mais interessados no retorno garantido.

Cabe então perguntar: deve-se pensar a política de cultura segundo um modelo ultrapassado que funcionava para poucos, ou um novo modelo que cria possibilidades para muitos? Deve-se pensar a partir dos “grandes” consagrados pelas antigas regras do jogo, ou dos “pequenos” e “médios” que jamais “chegarão lá” nos mesmos termos? Da perspectiva de reforçar um sistema que necessariamente cria exclusão e escassez, ou da expansão do número de produtores de cultura que conseguem viver de seu trabalho? A partir da base ou da ponta? Essas são as coordenadas do debate que deveria estar se fazendo.

Se se faz a opção por uma concepção democratizante da produção cultural, são bem-vindas as questões sobre “excelência” e “profissionalização” (outro refrão do novo MinC, para falar da necessidade de alterar o funcionamento dos Pontos de Cultura). Se por “profissionalizar” se entende oferecer as condições para a massa de novos produtores de cultura constituírem redes sustentáveis de produção e difusão, introduzindo e adaptando mecanismos do Estado para suprir as necessidades que aí se impõem, não se pode deixar de aplaudir a ideia.

Da mesma forma, se por “excelência” se entende não o banzo do Parnaso perdido, mas uma preocupação com o significado e a relevância do que um contexto muito ampliado de produtores de cultura hoje produz, a demanda é oportuna. É verdade que ainda não apareceram sínteses potentes da incrível e salutaríssima disseminação dos últimos anos. Se pensamos no quanto o acesso à produção e à circulação se ampliaram, o debate cultural e político, de fato, caminha muito atrás da nova realidade. Se pensamos na riqueza do debate sobre as intersecções entre cultura, sociedade e política que se produziu no Brasil nos anos 1960 e 1970, não dá para não pensar que as transformações recentes ainda estão longe de serem elaboradas.

Mas, novamente, a questão é: como queremos chegar a essa elaboração? Partindo do princípio de que, agora que muito mais pessoas podem ter “uma câmera na mão”, o que cabe fazer é criar as condições para uma produção e circulação que nos ponham para pensar seriamente sobre quais são, poderiam ou deveriam ser, hoje, “as ideias na cabeça”? Ou seguir pensando a partir de um velho estado de coisas, onde “uma câmera na mão” era o privilégio de poucos, tivessem eles ou não uma “idéia na cabeça”? São os “autores”, a academia, os intelectuais de todos os tipos que devem dar olhos e ouvidos a esse processo de tomada da palavra, participar dele, e, ao lado de seus novos atores, ajudar a refleti-lo e elaborá-lo. A “excelência”, se vier, virá desse movimento de incorporar-se a essa nova realidade; não de uma auto-referência que, porque só vê a si mesma como produtora de cultura, não consegue enxergá-la.

Talvez mais do que as medidas já tomadas, o que incomoda é que o novo MinC, que deveria estar puxando esses debates, ou não os compreende, ou cria, sobre eles, uma confusão deliberada. Quando o ministério da Cultura (do PT!) e a bancada ruralista estão falando a mesma língua, é de se pensar… Mas a identidade entre os discursos de Kátia Abreu e de Ana Hollanda se entende: enquanto a primeira repete a desinformação espalhada pela segunda, a segunda mobiliza os bichos-papões cansados da oposição mais rasteira – por exemplo, quando diz que supervisionar uma altamente opaca organização privada que presta um serviço público e é fortemente criticada por membros da própria classe que supostamente representa (o ECAD) seria “intervencionismo do Estado”.

(Como sói acontecer, a democracia e a não-intervenção estatal são boas para algumas coisas, e não para outras: depois de finalmente disponibilizar o texto do anteprojeto no site do ministério, abriu-se uma consulta pública – em que os comentários, ao invés de ficarem à vista de todos, fomentando o debate, devem ser enviados por email…)

É problema da presidenta que uma ministra sua municie a oposição com argumentos contra o governo. É problema de todos os que ajudaram a eleger a presidenta que uma ministra sua esteja indo contra o programa de governo no qual votaram. Mas, acima de tudo, é problema de quem deseja que o Brasil “continue mudando” ver que o novo MinC pensa de maneira mais velha que o antigo. Se a direção da mudança era democratizante e universalizante, a concepção da nova gestão, até aqui, tem se mostrado, nas linhas e nas entrelinhas, elitizante e particularista. E o que é pior: além de dar as respostas erradas, parece trabalhar para que não se consiga fazer as perguntas certas.
Fonte original aqui.

Artigo interessante publicado no site Cultura e Mercado:

Você ainda curte ouvir música no CD? Você ainda se preocupa com CDs piratas? A disputa entre os astros pela venda de CDs está com os dias contados – deu na Folha de S.Paulo e a matéria é de Julio Wiziack. Segue.

Para a gravadora Universal, a líder mundial, a comercialização dos discos acabará em 15 anos e será substituída pelo download oficial de músicas.

Segundo Simon Gillham, vice-presidente da Vivendi, grupo francês de mídia que controla a Universal, o prazo estimado pelos analistas da gravadora pode ser menor (dez anos), caso a expansão da internet supere o previsto.

Em 2010, o álbum “Recovery”, do rapper Eminem, ficou no topo das vendas nos Estados Unidos e “Take That” foi o número um no Reino Unido.

No total, Eminem vendeu 6 milhões de cópias, superando Lady Gaga, que, com “The Fame of Monster”, ficou em 4,8 milhões de discos.

O U2, que se apresenta hoje em São Paulo, prepara-se para lançar neste ano um novo álbum. Com ele, o grupo tenta voltar à lista dos cinco mais vendidos da Universal.

Em 2009, a banda irlandesa vendeu 4,3 milhões de cópias. No ano passado, ficou abaixo dos 3 milhões de cópias, perdendo lugar para Rihanna e Justin Bieber.

Para Gillham, a venda de discos é um mercado em declínio. No ano passado, a Universal faturou 2,1 bilhões nesse negócio, uma queda de 10,3% em relação a 2009. No mesmo período, as vendas pela internet (de faixas ou de discos) cresceram 7,5%, movimentando 1 bilhão -um terço de toda a receita da gravadora.

VIRADA

Nesta semana, um estudo publicado pelo instituto americano Strategy Analytics confirmou a tendência.

De acordo com a pesquisa, as vendas on-line de músicas nos Estados Unidos, maior mercado consumidor, deverão ultrapassar as de CDs em 2012, com faturamento previsto de US$ 2,8 bilhões, superando o dos discos em US$ 100 milhões.

Para Martin Olausson, diretor de pesquisa de mídias digitais da Strategy, as vendas on-line vão se expandir nos próximos anos, mas os resultados das gravadoras continuarão a cair até que elas encontrem novas estratégias de crescimento.

Lançado no ano passado, o serviço Vevo, uma parceria da Universal, da Sony, da EMI e do Google, já se tornou umas das maiores lojas de download nos Estados Unidos e no Canadá, com 60 milhões de clientes.

A loja comercializa ainda aplicativos para iPad, iPod Touch e iPhone. Além disso, há espaço para anúncios e assinaturas, duas novas fontes de receitas.

Até 2015, a Strategy prevê que o download de faixas ainda vá ser o carro-chefe, representando 39% das receitas. Mas os downloads de álbuns completos movimentarão 32% das vendas. Assinaturas e publicidade terão participação de 14% cada um.

“Com a rápida adoção de equipamentos conectados à internet, os fãs exigirão flexibilidade nas ofertas”, disse Olausson.
Fonte original aqui.

Saiu essa entrevista feita comigo a respeito do meu livro para a revista Monotipia:

MONOTIPIA: O que o levou a pesquisar os impactos das tecnologias na música?

Leo Morel: entre os anos de 2008 a 2010 cursei a pós-graduação em gestão cultural na Fundação Getúlio Vargas. Lá, tive contato com pessoas ligadas a isso, artigos, livros, sites sobre o assunto. Daí, vi que já existia muito material falando sobre o assunto, mas o foco era muitas vezes a pirataria, crise na indústria fonográfica, etc. Vi que faltava algo que focasse a visão do músico, daquele que faz música e vive dela. Então fiz esse trabalho focando a visão do profissional da musica e demais agentes ligados a ele.

MT: Como o modus opeandii da produção musical tem de se reconfigurar mantendo-se viável em ambiente de informação – teoricamente – livre?

LM: aquele mundo que nós conhecemos que um artista tinha de procurar uma gravadora para gravar e poder expor suas músicas acabou. Hoje em dia está muito mais fácil produzir e distribuir a música, a questão é que a forma de se consumir musica também sofreu grandes alterações e com isso alguns agentes como as gravadoras, perderam um pouco seu poder de barganha, enquanto que surgiram outros. Temos alguns exemplos dando certo aqui no Brasil, como a banda Forfun, por exemplo, que vem crescendo gradativamente, fazendo cada vez mais shows pelo país por conta de terem distribuído gratuitamente seu disco em seu site oficial. Não existe uma fórmula exata como se trabalhar hoje em dia nisso. Percebo que as estratégias são distintas, mas muitas vêm dando certo. O cantor Leoni é outro que vem tirando proveito da tecnologia disponível hoje em dia a seu favor.

MT: Esse modelo de negócio adotado pela banda Forfun é o exemplo do que muitos afirmam, que “o artista vive de show, não de venda de cd”? Esse relacionamento, seja presencial, seja virtual, mas ainda direto, com o consumidor de música é o que está sendo redescoberto?

LM: Na minha visão isso é a realidade atualmente. Enquanto que o CD vem sendo cada menos valorizado pelos consumidores, vemos que o mercado de shows de pequeno, médio e grande porte no Brasil vem crescendo cada vez mais.

MT: Você entende essa desvalorização das mídias físicas como um efeito colateral de meios como o youtube, por exemplo, que valorizam o acesso sem nenhum juízo de valor sobre o conteúdo?

LM: Eu vejo a desvalorização do CD como um fenômeno natural diante da portabilidade que produtos como iPods e celulares proporcionaram ao mercado consumidor.

MT: Entendo. os cds são portáteis, mas a música neles não necessariamente, por questões do tamanho e autonomia da fonte de energia do aparelho que o lê.

LM: Os cds são portáteis sim mas e se você quiser levar uns 300? Daí isso já gera um volume considerável, não? Dentro de um iPod e celular cabem muito mais. Vejo isso como uma questão prática.

MT: Em seu livro, você aponta uma série de mudanças tanto no que tange a produção quanto as concepções estéticas na música, alavancadas não só por um maior acesso à tecnologia, mas pela qualidade dessa tecnologia além da capacitação de quem a opera. Você entende que essa relação entre a qualidade do resultado está irreversivelmente atrelada à qualidade tanto da ferramenta quanto a do seu operador?

LM: sem duvida, não adianta ter ferramentas úteis disponíveis no dia de hoje se não tem alguém capacitado para operá-las. Os meios digitais de gravação e produção musical proporcionaram um universo praticamente ilimitado de variáveis para se explorar. Com isso, caso a pessoa que irá operá-la não dominar esse conhecimento, as chances de se ter resultados fracos é bastante grande.

Vale ressaltar que com a facilidade de acesso a esses meios de produção o número de pessoas fazendo musica aumentou muito e, com isso, também aumenta o número de material mal produzido.

MT: Há uma tendência de que, nos próximos anos, os meios de produção se tornem “intuitivos”, no sentido de que a lógica de operação de uma dada ferramenta não requeira tanto uma formação técnica de quem produz música, mas “feeling”, além de voz e/ ou acuidade com seu instrumento. Esta tendência, suponho, apontaria o uso do protools e ferramentas similares como mais que uma forma de… ahn… “fabricar” um trabalho ao invés de contruí-lo?

LM: Penso que se for para usar a tecnologia para produzir música de qualidade, que agrade um determinado público e gere trabalho para os profissionais da música, pode ser válido. Mas defendo que nada irá substituir a execução ao vivo de uma banda e/ou artista. Podem usar o que for pra fazer um disco “fake” até, mas no palco não dá pra enganar, entende?

MT: Em seu livro, você fala do mau uso da tecnologia, com “micreiros”, não necessariamente sem formação técnica, inseridos no ambiente de produção musical de forma predatória, transformando um ambiente de trabalho num de subemprego. Até que ponto se estende o impacto desses indivíduos no meio de produção musical?

LM: Penso que a tecnologia está mais acessível a todos e com isso mais pessoas se inseriram nesse meio. Mas os bons profissionais, aqueles diferenciados, sempre continuarão trabalhando. Acho que o canal está aberto para qualquer um e isso é fantástico, pois até o final do século passado esse meio de produção era muito restrito.

MT: Você vê alguma mudança concreta na postura das gravadoras?

LM: Acho que elas perceberam que o CD já não é mais atrativo ao consumidor como foi e que a venda desse produto não pode ser mais vista como meta principal daqui pra frente. Porém, vejo que o mesmo modelo que existia no passado das “gravadoras – jabá – rádio” ainda continua operando firme e forte.  Durante o século XX as gravadoras foram responsáveis pela criação e implementação de tecnologias como o toca disco, fita cassete, etc. Porém, eles pararam no CD. Enquanto que o setor da computação evoluiu. Eles ficaram parados no tempo.

MT: As gravadoras pararam nos CDs, mas as vendas de arquivos de música para nossos tocadores de mp3 continua “de vento em popa”, orientados pela fórmula gravadoras – jabá – rádio. Suponho velho negócio se descolando das mídias físicas.

LM: hoje em dia existem diferente suportes para se consumir música. E o que estiver ao alcance desses agentes para estimular a venda de seus produtos (jabá), eles o farão.

Muitas pessoas acham que hoje em dia tudo mudou e nada mais era como foi antigamente.

Discordo.

Mudou o suporte, a tecnologia. Mas no Brasil a TV e o rádio ainda são de extrema importância na cadeia produtiva da música e o acesso a esses meios sempre foi muito restrito.

MT: Então você entende que se uma real mudança ocorrer, o deslocamento desses meios (TV e rádio), além de seu conteúdo em outras formas, para a internet, essa mudança não será reconhecida como tal, talvez pelo conteúdo estar lá há tempo suficiente para que o ambiente lhe seja familiar?

LM: Vou esperar pra ver isso acontecer. Tenho minhas dúvidas se esses meios irão migrar para a internet, não vejo esses veículos como sendo excludentes, entende? Acho que todos continuarão existindo, até que se prove o contrário. O radio, por exemplo, já teve sua morte decretada várias vezes ao longo da sua história, como na época do surgimento da TV, etc. Hoje em dia ele continua firme e forte e eu realmente duvido que a internet vá engolir esse veículo. E quanto a TV, a mesma coisa. O Brasil é um país muito ligado a TV.

Link da entrevista aqui.